Where Color Breathes into Immensity

Versión en español del texto original en inglés.

Es la inmensidad de la naturaleza lo que más me conmueve: cómo nos vuelve humildes y nos recuerda que somos parte de algo infinitamente más grande. Pinto para expresar ese asombro, esa sensación de formar parte de algo vasto y vivo. Eso es lo que llevo a cada tela.

—Betina Attas

Where Color Breathes into Immensity presenta una selección de obras de Betina Attas y marca su primera exposición individual en la ciudad de Nueva York, en el Consulado General de la Argentina. Attas pinta desde hace más de veinticinco años y ha dedicado la última década a explorar las dimensiones emocionales y espirituales del paisaje. Al dejar atrás la figuración, cultivó un lenguaje abstracto personal con el que capta la inmensidad de la naturaleza y las emociones interiores que esta despierta. Su práctica, sustentada en encuentros directos con el mundo natural, se arraiga en el poder expresivo del color, la fluidez del gesto y las posibilidades transformadoras del proceso. En sus pinturas, contrapone el color, que crea no solo el fondo sino también un campo de energía, a una caligrafía visual ramificada y centelleante, estableciendo un diálogo entre el arraigo y la trascendencia. El resultado es una experiencia íntima de color, percepción y presencia que trasciende la mera representación.

El camino de Attas hacia la abstracción refleja la evolución más amplia que definió buena parte de la pintura del siglo XX. Mientras el modernismo transformaba el mundo del arte, los artistas comenzaron a alejarse decididamente de la figuración, buscando nuevas formas de expresar experiencias más profundas, a menudo indescriptibles, y las cualidades metafísicas del mundo natural. Ese alejamiento no fue solo conceptual, sino también técnico: artistas como Jackson Pollock, Helen Frankenthaler y Morris Louis desarrollaron técnicas innovadoras y las incorporaron a sus procesos creativos. Gotear, teñir y verter pintura directamente sobre la tela sin preparar desplazó el foco desde la creación de imágenes hacia el acto mismo de pintar. El proceso y el accidente se volvieron elementos compositivos esenciales para revelar impulsos sentimentales e inconscientes. Redefinieron la pintura como un acontecimiento: una interacción abierta y fluida entre artista, materia y superficie, reforzando la idea de que la espontaneidad contiene una verdad emocional. Como dijo Jackson Pollock: «El artista moderno trabaja con el espacio y el tiempo, y expresa sus sentimientos en lugar de ilustrar».

Attas emprendió un recorrido similar al de muchos de los pintores más influyentes del siglo. También inició su carrera artística estudiando durante varios años el hiperrealismo y las técnicas académicas del óleo. Sin embargo, evolucionó hacia un proceso de desaprendizaje, abandonando gradualmente la forma estricta en favor de la emoción y el impulso del momento: «Poco a poco empecé a deconstruirme», recuerda. Attas se distancia de la perfección compositiva: «Dejé de hacer el cuadro perfecto para poder expresarme de verdad», explica. Se volcó a los acrílicos, las tintas y las resinas, materiales que secaban rápidamente y se resistían al trabajo excesivo.

El punto de partida de la transición de Attas fue una rigurosa rutina de meditación. Al abrazar la lentitud, la quietud y la reflexión, permite que las imágenes surjan del acto de pintar, en lugar de imponerse sobre él. Comienza sus pinturas sin una imagen fija en mente: «Hago una mancha», dice, «y después miro qué puedo encontrar en ella». Su obra nace de un proceso a la vez físico y contemplativo; sus gestos evocan no una topografía, sino un pulso: huellas de las energías invisibles que dan forma a la naturaleza y a nuestros mundos emocionales. En sus pinturas, el horizonte deja de ser una línea y se vuelve una vibración; el color se convierte en el lenguaje a través del cual la inmensidad se siente, más que se ve: expansiva, infinita y viva. Como escribió Agnes Martin: «El arte es la representación concreta de nuestros sentimientos más sutiles».

La relación de Attas con el color es fundamental para su obra y ocupa un lugar central en la expresión de la inmensidad que desea manifestar. Los colores, en lugar de funcionar como mera superficie, se vuelven atmósfera —algo que se respira y se habita— y representan estados del ser. Su paleta, dominada por azules profundos, plateados y blancos suaves, posee una gran carga emocional. El azul, en numerosas variaciones, funciona como un eje espiritual: evoca el mar y el cielo y ofrece un espacio para la contemplación. En muchas obras, la luz no parece limitarse a iluminar, sino estar incorporada a la propia tela, produciendo una suerte de resplandor interior. El uso de veladuras plateadas y blancas crea atmósferas centelleantes: luz dispersa sobre la tela como polvo celeste o estrellas lejanas. «Lo que más me conecta es el color: algún color específico que me llega de una manera especial, y a partir de ahí comienza la obra; algunos me transportan a lugares maravillosos a los que he viajado, otros a mundos interiores a los que llego a través de la meditación», recuerda.

Una pieza clave de la exposición, Más allá de la luz 9, es una impactante composición azul de gran formato, testimonio del estilo maduro de Attas. Un campo vertical de azules luminosos y superpuestos pasa del ultramar profundo al turquesa claro y evoca de inmediato una sensación de inmensidad en quien lo observa. «El azul es el color que más uso. Me inclino por esta paleta en todos sus tonos. Intento inventar azules diferentes, mezclando y diluyendo sus componentes en distintas capas», explica Attas. Desde el borde inferior de la tela asciende una densa maraña de líneas negras entrelazadas, semejante a raíces o siluetas de hierbas silvestres, o al recuerdo de un arrecife sumergido. Las líneas emergen orgánicamente, imitando el crecimiento natural y, combinadas con el fondo ilimitado, crean una impresión a la vez arraigada e ingrávida.

Más allá del horizonte 4 representa su otra gama cromática predominante, en la que la paleta cambia drásticamente hacia un registro monocromático de marfiles, grises y blancos quebrados. Aunque la composición conserva la misma estructura de base que la pintura anterior, aquí el fondo se abre a un espacio más luminoso, casi cósmico. El campo superior es un baño de blancos y grises plateados, marcado por salpicaduras que evocan la apariencia de la nieve o del polvo atmosférico. La masa orgánica de la parte inferior es rica en textura y movimiento: se siente viva, caótica y fértil. El espacio superior moteado contrasta con esa densidad y ofrece una sensación de elevación, aire o estrellas lejanas. Una vez más, el logro de su arte reside en la composición de elementos contrapuestos: oscuridad y luz, materia y éter, densidad y dispersión. Estas superficies atmosféricas recuerdan los experimentos de Mary Corse con la luz y la percepción, quien buscó incorporar la luz misma a la superficie de la tela utilizando materiales como microesferas de vidrio para activar la percepción del espectador. «Para mí, la pintura nunca ha tenido que ver con la pintura en sí, sino con lo que el cuadro puede hacerte sentir»,³ Mary Corse.

Helen Frankenthaler dijo una vez: «Mis cuadros están llenos de climas abstractos y no de naturaleza en sí, sino de una sensación».⁴ En Where Color Breathes into Immensity, el efecto general es una experiencia meditativa, emocional e inmersiva. Attas ofrece algo poco frecuente: una invitación a adentrarse, observar y sentir la inmensidad, al tiempo que brinda un espacio para sentirse arraigado en la naturaleza. Su obra, terrenal y trascendente, no habla del paisaje, sino desde él.

Texto curatorial por Josefina Vilela

Exposición individual “Where Color Breathes Into Immensity”

Consulado Argentino en Nueva York, 2025.

Read the original English text

It’s the vastness of nature that moves me the most—how it humbles us and reminds us that we’re part of something infinitely larger. I paint to express that feeling of awe, of being part of something vast and alive. That is what I carry into every canvas.

—Betina Attas

Where Color Breathes into Immensity showcases a selection of works by Betina Attas, marking her first solo exhibition in New York City at the Consulate General of Argentina. Attas has been painting for over twenty-five years and spent the last decade exploring the emotional and spiritual dimensions of landscapes. Leaving behind figuration, she cultivated a personal abstract language through which she captures the vastness of nature and the internal emotions it stirs. Her practice—grounded in direct encounters with the natural world—is rooted in the expressive power of color, the fluidity of gesture, and the transformative possibilities of process. In her paintings, she contrasts color, which creates not just the background but also a field of energy, with branchlike and flickering visual calligraphy, establishing a dialogue between rootedness and transcendence. The result is an intimate experience of color, perception, and presence that transcends mere representation.

Attas’s path into abstraction mirrors the larger evolution that defined much of 20th- century painting. As modernism reshaped the art world, artists began to move decisively away from figuration, seeking new ways to express deeper, often indescribable experiences and the metaphysical qualities of the natural world. This departure was not only conceptual but also technical; artists such as Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, and Morris Louis pioneered innovative techniques and incorporated them into their creative processes. Dripping, staining, and pouring paint directly onto raw canvas shifted the focus from image creation to the act of painting itself. Process and accident became essential compositional elements to reveal sentimental and unconscious impulses. They redefined painting as an event—an open, fluid interaction between artist, material, and surface, reinforcing the idea that spontaneity carries emotional truth. As Jackson Pollock famously said, «The modern artist is working with space and time, and expressing his feelings rather than illustrating.”

Attas embarked on a journey similar to that of many of the century’s most influential painters. She also began her artistic career by studying hyperrealism and academic oil techniques for several years. Yet she evolved into a process of unlearning, gradually letting go of strict form in favor of emotion and the spur of the moment—“little by little I began to deconstruct myself,” she recalls. Attas distances herself from compositional perfection: “I stopped making the perfect painting so I could truly express myself,” she explains. She turned to acrylics, inks, and resins, mediums that dried quickly and resisted overworking.

The starting point of Attas’ transition was a rigorous meditation routine. By embracing slowness, stillness, and reflection, she allows images to emerge from within the act of painting rather than being imposed upon it. She begins her paintings without a fixed image in mind: “I make a stain,” she says, “and then I look to see what I can find in it”. Her work is created through a process that is both physical and contemplative; her gestures evoke not topography but pulse—marks of the unseen energies that shape nature, as well as our emotional worlds. In her paintings, the horizon becomes not a line, but a vibration, and color becomes the language through which vastness is felt rather than seen: expansive, infinite, and alive. As Agnes Martin once wrote, “Art is the concrete representation of our most subtle feelings”.

Attas’s engagement with color is fundamental to her work and plays a central role in expressing the vastness she desires to manifest. Rather than serving as mere surface, they become atmosphere—something breathed, inhabited—representing states of being. Her palette, dominated by deep blues, silvers, and soft whites, carries emotional weight. Blue, in numerous variations, serves as a spiritual axis, evoking the sea and the sky, and providing a space for contemplation. In many works, light appears not just to illuminate but to be embedded within the canvas itself, producing a kind of inner glow. Her use of silver and white glazes creates shimmering atmospheres—light dispersed across the canvas like celestial dust or distant stars. “What connects me the most is color—some specific color that reaches me in a special way, and from there, the work begins; some transport me to wonderful places I have traveled to, others to inner worlds I reach through meditation,” she recalls.

A key piece in the exhibition, Beyond the Light 9, is a large-scale striking blue composition, a testament to Attas’ mature style. A vertical field of luminous, layered blues shifts from deep ultramarine to light turquoise, immediately evoking a sense of immensity in the observer. “Blue is the color I use the most. I gravitate toward this palette in all its tones. I try to invent different blues, mixing and diluting their components in distinct layers”, Attas explains. From the lower edge of the canvas, a dense thicket of tangled black lines rises upward, resembling roots or silhouettes of wild grasses, or a memory of an underwater reef. The lines emerge organically, mimicking natural growth and combined with the limitless background, create an impression that is both grounded and weightless at the same time.

Beyond the Horizon 4 represents her other prevailing color scheme, where the palette shifts dramatically to a monochromatic range of ivory, grays, and off-whites. While the composition retains the same foundational structure as the previous painting, here the background opens into a lighter, almost cosmic space. The upper field is a wash of whites and silvery grays, marked by splattered stains that evoke the appearance of snow or atmospheric dust. The organic mass at the bottom is rich in texture and movement, feeling alive, chaotic, and fertile. The speckled upper space contrasts with this density, offering a sense of lift, air, or distant stars. Again, the success of her art lies in the artistic composition of contrasting elements-dark and light, material and ethereal, density and dispersion. These atmospheric surfaces recall Mary Corse’s experiments with light and perception, who sought to embed light itself into the surface of the canvas, using materials like glass microspheres to activate the viewer’s perception. “Painting, to me, has never been about the paint, but what the painting can make you feel,”3 Mary Corse.

Helen Frankenthaler once said, “My pictures are full of abstract climates and not nature per se, but a feeling.”4 In Where Color Breathes into Immensity, the overall effect is a meditative, emotional, and immersive experience. Attas offers something rare: an invitation to drift into, observe, and feel the immensity, while simultaneously providing a space to feel grounded in nature. Her work—earthly and transcendental—speaks not of landscape, but from it.